Da una grande retrospettiva di Jack Whitten al MoMA a un SITE Santa Fe International incentrato sulla narrazione, ecco le mostre più importanti di quest’anno
Frieze, C. Packard
L’adagio di Bertolt Brecht sul cantare nei tempi bui aleggia ai margini di questa lista di grandi mostre in un anno decisamente cupo. Al The Brick e al Museum of Contemporary Art di Los Angeles, l’attesissima mostra “MONUMENTS” ha messo in primo piano i dibattiti in corso sul destino delle statue confederate; la mostra di Nicole Eisenman al 52 Walker di New York ha affrontato alcune delle spinose condizioni che gli artisti affrontano oggi; la prima grande mostra istituzionale dedicata a Wafaa Bilal, al Museum of Contemporary Art di Chicago, ha messo alla berlina le violenze del neocolonialismo; e una presentazione personale di Carl Cheng all’Institute of Contemporary Art di Philadelphia ha gettato uno sguardo penetrante sulle complessità dell’antropocene.
Senza un ordine particolare, ecco alcune delle mostre più importanti del 2025. Jack Whitten | Museo d’arte moderna, New York
Innovatore instancabile, Jack Whitten ha trascorso sei decenni realizzando opere in sintonia con i contesti sociali e tecnologici con la stessa delicatezza e precisione con cui si rapportavano alle proprie frequenze estetiche. La sua corposa retrospettiva al MoMA ha presentato circa 180 esempi che abbracciano la sua prodigiosa pratica: dalle opere a toner su carta create durante la sua residenza presso la Xerox Corporation, agli omaggi in tessere acriliche a personaggi come James Baldwin e WEB Du Bois, fino alle sculture barcollanti che incorporavano rifiuti elettronici. Erano esposti anche alcuni degli strumenti artistici più peculiari da lui utilizzati, come un rastrello lungo 3,6 metri che chiamava “lo sviluppatore”. I dipinti proiettavano qui le proprie ombre: non tanto per le loro superfici frammentate, frammentate e rastrellate, quanto per la loro imponente presenza. ‘ MONUMENTI ‘ | The Brick e il Museum of Contemporary Art, Los Angeles
Una mostra in lavorazione da circa otto anni, “MONUMENTS” coglie il momento. Co-curata dal direttore di The Brick, Hamza Walker, dal curatore senior del Museum of Contemporary Art di Los Angeles, Bennett Simpson, e dall’artista Kara Walker, la mostra è stata concepita nel mezzo delle proteste per la giustizia razziale negli Stati Uniti, quando i monumenti confederati, visti da molti come altari di ideologie razziste, venivano vandalizzati, abbattuti o rimossi dalla vista del pubblico. I curatori non solo hanno messo in sicurezza i monumenti dismessi per l’esposizione, ma hanno anche presentato opere d’arte contemporanea che rispondevano al fenomeno dei monumenti abbattuti, forse la più notevole delle quali è “Unmanned Drone” (2023) di Kara Walker. Entro una settimana dall’inaugurazione della mostra, un monumento confederato rimosso durante le proteste di Black Lives Matter del 2020 è stato reinstallato a Washington, DC, in conformità con un ordine esecutivo del presidente degli Stati Uniti Donald Trump. “MONUMENTS” è aperta fino al 3 maggio 2026. Wafaa Bilal | Museo di Arte Contemporanea, Chicago
La prima grande retrospettiva istituzionale dell’artista iracheno-americana Wafaa Bilal, “Indulge Me” , è stata una mostra volutamente scarna; i curatori Bana Kattan e Iris Colburn hanno ceduto spazio ad alcune opere selezionate che includevano elementi performativi e partecipativi.
I visitatori potevano giocare al videogioco hackerato Virtual Jihadi (2008) nell’internet café surrogato della mostra, o assistere a una ricostruzione ponderata della straziante Domestic Tension (2007) di Bilal, una performance durata un mese in cui gli utenti di internet davano sfogo al loro sentimento anti-arabo sparandogli a distanza con una pistola paintball. Scrivendo per frieze , Ravi Ghosh ha sottolineato che la continua rilevanza dell’opera di Bilal è “una testimonianza della natura ciclica della storia post-imperiale”, nonché della “formidabile abilità dell’artista come commentatore creativo”. Laura Owens | Galleria Matthew Marks, New York
Per la sua prima mostra personale a New York in otto anni , la formidabile Laura Owens non ha deluso le aspettative. Intrecciando cimeli personali con riferimenti codificati, la sua è stata una mostra di prestigio in cui il massimalismo kitsch ha compiuto una sorta di magia. Una porta tagliata in un dipinto trompe l’oeil a tutta altezza, dai motivi sgargianti, dava accesso a una stanza angusta, dove dei corvi videoregistrati davano voce a una conversazione tra Owens e suo figlio; un comunicato stampa su una scrivania, al tocco, faceva aprire un cassetto, rivelando un libro d’artista al suo interno. C’è molto da ammirare in una mostra che custodisce i suoi segreti esponendoli tutti sul tavolo. Carl Cheng | Istituto di Arte Contemporanea, Filadelfia
Carl Cheng, Alternative TV #3 , 1974–2016, telaio in plastica, serbatoio d’acqua in acrilico, pompa dell’aria, illuminazione a LED e controller, cavo elettrico, accessori per acquario, rocce conglomerate e piante di plastica. Per gentile concessione dell’artista e della Philip Martin Gallery, Los Angeles.
Fin dagli anni ’60, l’arte di Carl Cheng ha contrastato l’errata convinzione che la tecnologia sia estranea alle questioni terrene. Il suo lavoro non solo indaga l’impatto dell’estrattivismo umano sul pianeta (sono rimasto commosso, quasi fino alle lacrime, dalla sua effimera land art per le spiagge in erosione), ma caratterizza anche i processi naturali come tecnologie a sé stanti.
Le domande che da tempo pone nella sua opera su materialità, industria ed ecologia risuonano con molta arte contemporanea; come ho scritto nella mia recensione di “Nature Never Loses” , che è stata inviata all’ICA di Philadelphia da The Contemporary Austin, “Ciò che chiamiamo lungimiranza spesso deriva dal duro lavoro di prestare attenzione e articolare il mondo che ci circonda nel presente”. È stato un piacere vedere Cheng ottenere il dovuto riconoscimento con questa retrospettiva itinerante (ora in mostra al Museum Tinguely) in concomitanza con la sua inclusione in “Made in LA” all’Hammer Museum. Lucas Arruda | Mendes Wood DM, San Paolo
I dipinti atmosferici di Lucas Arruda trasformano i pensieri in monostici. “Eclipse” al Mendes Wood DM di San Paolo ha presentato 25 tele nuove e recenti dell’artista brasiliano, la maggior parte delle quali erano intime e intitolate all’idea di “deserto-modelo” (deserto modello) del defunto poeta brasiliano João Cabral de Melo Neto.
Con le loro tremule linee d’orizzonte, lo sfumato grigio-blu umido , le soffici nuvole color ruggine e le giungle friabili, questi dipinti trattano il paesaggio come immagine residua, prototipo, fantasia o forse solo qualcosa che cattura la luce. Le opere ritmicamente ripetitive sembrano saggiamente considerare la pittura di paesaggio come un progetto politico, ma più investite in esso come un progetto fenomenologico. ‘ C’era una volta ‘ | SITO Santa Fe
Maja Ruznic, Kiša Pada, Trava Raste, Gora Zeleni , 2025; The Littlest God , 2025; At Eternity’s Gate (per van Gogh) , 2025, veduta della mostra. Per gentile concessione: 12th SITE Santa Fe International; fotografia: Brad Trone
In una recensione per frieze , Mari Carmen Barrios Giordano ha elogiato la dodicesima edizione del SITE Santa Fe International definendola “una mostra di sorprendente chiarezza e concentrazione”, nonostante le sue dimensioni: circa 350 opere di 71 artisti storici e contemporanei erano distribuite in 14 sedi. Le biennali tendono a essere giudicate anche in base al grado di coinvolgimento con i loro contesti; con “Once Within a Time”, la curatrice esperta Cecilia Alemani si è concentrata sulle storie locali.
Intitolata come l’omonimo film del regista Godfrey Reggio, residente a Santa Fe, la mostra si è basata sui temi di Reggio, ovvero apocalisse e collasso narrativo, evidenziando al contempo un mix di “figure di interesse” reali e immaginarie della regione, dalla scrittrice Willa Cather al guaritore Francis Schlatter. SITE Santa Fe rimarrà aperta fino al 12 gennaio 2026. Lucy Raven | Galleria d’arte di Vancouver e Galleria d’arte contemporanea The Power Plant, Toronto
Nel 2024, gli Stati Uniti hanno completato uno dei più grandi progetti di rimozione di dighe nella storia del paese per ripristinare il fiume Klamath: una risposta all’instancabile impegno delle tribù Klamath, Karuk e Yurok, nonché di gruppi ambientalisti.
Il nuovo video di Lucy Raven, Murderers Bar (2025), che ha viaggiato dalla Vancouver Art Gallery alla Power Plant Contemporary Art Gallery di Toronto, cattura la diga Copco numero 1 a metà esplosione, proseguendo l’esplorazione dell’artista sulla (in corso) rimodellamento materiale e ideologico del paesaggio nell’Ovest americano.
Ritratto di un fiume che funge anche da documento di un evento storico, l’opera affronta dilemmi come quelli posti da Akiva Blander nella sua recensione del fregio : “La demolizione di una diga non è forse anche la composizione di un nuovo paesaggio?”. ” Murderers Bar” è in mostra fino al 22 marzo 2026 alla Power Plant Contemporary Art Gallery di Toronto. Nicole Eisenman | 52 Walker, New York
Nel dipinto di Nicole Eisenman, The Auction (2025), i partecipanti a una vendita d’arte sono presieduti da un giudice: un sostituto di un mercato che detta il valore e riduce l’arte a speculazione finanziaria. C’è una violenza implicita nella scena, alimentata dalla presenza di un soldato tedesco testardo (un riferimento alla Prima Fiera Internazionale Dada del 1920) nella vicina tela Archangel (The Visitors) (2024). Altrove nella galleria, enormi spettatori scolpiti in scagliola (un composito decorativo che compariva regolarmente nelle commissioni della famiglia Medici) reggono schermi che riproducono, tra gli altri contenuti, immagini generate dall’intelligenza artificiale ( There I Was , 2025). ‘STY’ si interroga su come si faccia arte all’interno, ma anche contro e nonostante, vari sistemi disumanizzanti, e allude alle pressioni a cui sono sottoposti gli artisti di oggi che esprimono opinioni politiche non condivise dai loro mecenati. ‘ STY’ è aperta fino al 10 gennaio 2026. Derek Fordjour | Galleria David Kordansky, Los Angeles
La mostra serale di Derek Fordjour, “Nightsong”, è stata un gesto meraviglioso in un momento di regressione. La mostra ha reso omaggio all’eredità della musica nera negli Stati Uniti: onorando coloro che l’hanno creata, ballata, amata, preservata e tramandata.
Riunendo opere provenienti da media diversi come scultura, pittura, video e performance, la mostra, scarsamente illuminata, presentava un paesaggio sonoro di quattro ore e un allestimento espositivo immerso nella natura – realizzato con l’architetto Kulapat Yantrasast e lo studio di design WHY – che evocava i “porti silenziosi”, ovvero luoghi di incontro segreti frequentati dagli schiavi afroamericani. “Nightsong” è stata collaborativa nello spirito e nella pratica, dalle “copertine” dipinte da Fordjour di opere d’arte che raffigurano musicisti di figure come Jacob Lawrence e Romare Bearden, a un’installazione video realizzata con Kya Lou che presenta circa 6.000 clip d’archivio.
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